Diseño y Estética 13_13: septiembre 2019

¿Qué es una vanguardia artística?

Cuando nos sumergimos en un término tan amplio como el de «vanguardia» se hace necesario acotar su amplio ámbito de aplicación al propósito para el que la definimos. En este caso, la perspectiva histórica artística nos permite adentrarnos en el concepto de «vanguardia» desde su concepción como todo un conjunto de movimientos artísticos, o «ismos», que surgen entre finales del siglo XIX y a lo largo del XX y XXI como reacción a un orden previo, una realidad establecida.

Esta realidad se aplica a todos los ámbitos de la actividad humana (la política, la sociedad, la cultura, las ideologías, etc.) y su línea temporal es tan extensa, abarcando más de un siglo y medio, que los cambios producidos durante el período han propiciado la evolución ininterrumpida de las reacciones artísticas, el surgimiento de unos movimientos y la desaparición de otros.

El diccionario de la Real Academia Española define «vanguardia» en su óptica cultural como «Avanzada de un grupo o movimiento ideológico, político, literario, artístico, etc.» La palabra «avanzada» en este sentido enlaza con el origen medieval y militar del término, en que «vanguardia» alude a la minoría del ejército que se coloca en las filas delanteras al realizar un ataque. De todas las lecturas de la bibliografía y los textos artísticos originales que giran en torno a las vanguardias artísticas históricas, podríamos extraer varios comunes denominadores que permitan comprender de manera global el concepto:

Reacción: todo movimiento de vanguardia surge como un intento de lucha, de respuesta ante un paradigma o conjunto de paradigmas previamente establecidos de los que el artista rehuye, a tenor de toda una serie de condicionantes, para formar un nuevo cosmos artístico que rompa de lleno con lo anterior. Esta serie de condicionantes suelen relacionarse con el contexto histórico, aunque también personal, de los artistas. Por ejemplo, la Revolución Industrial fue uno de los condicionantes que propiciaron el nacimiento del futurismo. Las revoluciones burguesas en Francia generaron el clima social óptimo para el nacer del impresionismo. Y la Primera Guerra Mundial, con sus consecuencias ideológicas, será el eje vertebrador internacional de una gran amalgama de movimientos reaccionarios, no exclusivos del arte pictórico, escultórico y arquitectónico.
Élite: la vanguardia nace gracias a un grupo minoritario, selecto y exclusivo, reaccionario, normalmente con uno o varios líderes o precursores. Estos grupúsculos son hijos de un contexto social que determina su afán de reacción contra el orden establecido. Uno de los hechos más importantes fue la publicación del Manifiesto Comunista en 1848, por Marx y Engels. Un movimiento político e ideológico e impulsado por el proletariado (minoría social), sirvió de inspiración para toda una serie de manifiestos posteriores que, en su dimensión artística, canalizaron en tono contundente de lucha, al igual que el comunista, nuevas actitudes formales, simbólicas e intelectuales ante el arte.
Dualismo entre tradición y modernidad: Al igual que el movimiento proletario, en el que una minoría social combate contra una mayoría poderosa y opresora, las vanguardias artísticas reaccionan ante una cultura artística mayoritariamente aceptada y promovida por una mayoría social más numerosa y poderosa. Es lo que se ha llamado el conflicto entre la tradición y la modernidad, es decir, la lucha por superar el pasado (lo establecido) y abrir un nuevo futuro. En el caso del artista, lo que cambia es su actitud frente a la obra de arte, como por ejemplo, cuando los pintores impresionistas abordan la tarea de realizar una pintura, prefieren hacerlo al aire libre en lugar de en un estudio o taller, donde se solía hacer.

Vanguardias Artísticas del Siglo XX.

Fauvismo:

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Protagonistas del Fauvismo:

Henri Matisse (1869-1954): Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
André Derain (1880-1954): La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos.
Maurice de Vlaminck (1876-1958): Es el autor de paisajes dramáticos que se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906).

Obras del Fauvismo.

Cubismo.

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.

Etapas del Cubismo: Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.
Cubismo Analítico: Caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.
Cubismo Sintético: Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados. Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.

Protagonistas del Cubismo.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973): Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos.
George Braque (1882-1963): Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros.
Juan Gris (1887-1927): Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso.
Fernand Leger (1881-1955): El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad.

Obras del Cubismo.

Futurismo.

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro.

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

Protagonistas del Futurismo.

Umberto Boccioni: Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas.
Giacomo Balla: Sus primeras obras, Interpretaciones Iridiscentes, Vuelos rápidos y Líneas de velocidad dieron el impulso y ritmo a las experimentaciones de los primeros años del futurismo.
Luigi Russolo: Continúa con las sensaciones dinámicas en obras como Casas + luces + cielo, Síntesis plástica del movimiento de una mujer y Dinamismo de un automóvil.
Gino Severini: En Pan Pan en Mónaco conserva parte la de figuración para fragmentarla y destrozarla dentro de sus ritmos vertiginosos. Su pintura más importante es El tren blindado y Bal Tabarin es otra de sus obras más características.
Carlo Carrá: Se Interesó por el divisionismo de Seurat y su evolución posterior lo llevó hacia la pintura metafísica.

Obras del Futurismo.

Expresionismo.

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.

Protagonistas del Expresionismo.

Ensor (1860-1949): Ensor pinta desfiles fantasmales de personajes enmascarados y caricaturescos. La máscara se convierte en la expresión de lo amenazador y lo desconocido que refleja la ironía sobre la condición humana.
Edvard Munch (1863-1944): El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

Obras del Expresionismo.

Dadaísmo.

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

Protagonistas del Dadaísmo.

Raul Hausmann: Su aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético.
Kurt Schwitter: Creó ensamblajes de cartón, madera, alambre y objetos rotos, así como collages con diversos objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc.
Marcel Duchamp: Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte.
Man Ray: Realizó un conjunto de obras que llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas está Cadeau, que consiste en una plancha de cuya base salen algunos clavos, o la obra llamada La puericultura II, que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde.

Obras del Dadaísmo.

Surrealismo:

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Protagonistas del Surrealismo:

Ernst (1891-1979): Llegó a ser uno de los principales exponentes del Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel, con todas sus irregularidades.
Tanguy (1900-1985): Representa sueños desligados a toda referencia a la realidad.
Magritte (1898-1976): Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los surrealistas más claramente simbolistas.
Masson (1896-1987): Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una elucubración intelectual.
Chagall (1887-1985): Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de un ambiente ensoñador.
Joan Miró (1893-1983): Es el máximo representante del surrealismo abstracto, aunque fue solamente una fase dentro de su producción.
Salvador Dalí (1904-1989): Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Obras del Surrealismo.

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Vanguardias del Siglo XXI.

Body Art.

El Body Art comparte ideas del Arte Conceptual y del Happening, aunque se centra en especial en el cuerpo humano. Reflexiona acerca de él y lleva a cabo sus manifestaciones mediante el propio cuerpo.

Artistas destacados del Body Art.

Natalie Fletcher: La estadounidense Natalie Fletcher, es conocida por su destreza para utilizar el body painting y mimetizar a las personas con los fondos de la naturaleza, aunque también cabe mencionar su maestría para dibujar formas geométricas en la piel que cambian por completo la percepción del espectador.

Scott Fray y Madelyn Greco: La pareja formada por Scott Fray y Madelyn Greco merece una mención muy especial. Son los únicos artistas que pueden presumir de haber ganado nada menos que 5 veces el Festival Mundial de Body Painting de Austria. Sus creaciones suponen una explosión de color y desprenden perfección y profesionalidad.

Johannes Stotter: Otro de los grandes gurús del camuflaje y amante de las texturas es Johannes Stotter, campeón mundial de body painting en 2012. Es el artista en cuya obra siempre está presente la naturaleza vista desde una perspectiva profunda y espiritual.

Ejemplos del Body Art.

Pop Art.

Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel. Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía.

Artistas destacados del Pop Art.

Peter Thomas Blake: Desde su época de estudiante su obra refleja un gran interés por el arte popular y el folclore. Sus primeras obras, realizadas en la década de 1950, sobre todo en paneles de madera envejecida, retratan niños con cómics y chapas.
Derek Boshier: Derek Bossier aportó al arte pop británico una sólida vertiente satírica que diferencia su obra de la de sus compañeros de estudios del Royal Collage of Art. Sus pinturas de 1961-1962 contenían abundantes referencias a los asuntos de actualidad, sobre todo aquellos que tenían una dimensión política, como la carrera espacial entre Estados Unidos y la Unión Soviética.
Patrick Caulfield: En 1964 expuso en la muestra de la New Generation en la Galería Whitechapel de Londres, que dio como resultado el que se le relacionase con el pop art.

Obras del Pop Art.

Arte Cinético.

Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura. Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción de algún elemento independiente, obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción

Artistas destacados del Arte Cinético.

Alexander Calder: Fue un escultor estadounidense conocido por ser el inventor del Móvil (esculturas cinéticas colgantes) y precursor de la escultura cinética.
David C. Roy: Licenciado en física en 1974 por la Universidad de Boston, en 1975 comenzó su obra "Wood That Works" ("Madera que funciona") y desde entonces ha confeccionado más de 90 esculturas cinéticas y realizado exposiciones en diferentes localidades.
George Warren Rickey: Rickey pasó de pintar a crear escultura cinética . Rickey combinó su amor por la ingeniería y la mecánica diseñando esculturas cuyas partes metálicas se movían en respuesta a las más pequeñas corrientes de aire.

Obras del Arte Cinético.

Informalismo.

Tendencia pictórica, también denominada a veces, Tachismo o Abstracción Lírica, a pesar de su desarrollo independiente, compartió con el Expresionismo Abstracto el peso del surrealismo, del automatismo, de la improvisación psíquica como revelación del mundo subjetivo del artista.

Artistas destacados del Informalismo.

Antoni Tàpies i Puig: Fue un pintor, escultor y teórico del arte español. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. La obra del artista catalán goza de un centro de estudio y conservación en la Fundación Antoni Tàpies de Barcelona.
Alfred Otto Wolfgang Schulze (Wols): Fue un pintor y fotógrafo alemán. Fue uno de los pintores influyentes del movimiento tachista.
Lucio Muñoz Martínez: Fue un pintor abstracto, uno de los máximos exponentes del informalismo español de la segunda mitad del siglo XX.

Obras del Informalismo.

Arte Minimal.

El arte minimal comenzó siendo una vanguardia más, aunque su proyección e influencia ha sido enorme en el arte y el diseño de final del siglo XX y principios de XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un interior, un objeto industrial.

Artistas del Arte Minimal.

Donald Clarence Judd: Su obra se basa en una constante búsqueda por la autonomía y la claridad del objeto construido, resultando en una presentación artística de un espacio sin jerarquía aparente.
Yayoi Kusama: A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones; la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones.
Frank Stella: Es un pintor y grabador estadounidense, reconocido por su trabajo en las áreas del minimalismo y de la abstracción pospictórica.
Richard Serra: Es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten. Considerado uno de los mejores escultores vivos, Serra obtuvo el Premio Príncipe de Asturias 2010.